المقدمة
"J-pop" ، كما تسمى موسيقى البوب اليابانية بحنان داخل وخارج اليابان ، هي الشكل السائد للموسيقى في اليابان ولديها طائفة كبيرة تتبع جميع أنحاء العالم. في حين اكتسبت J-pop اسمها ومكانتها في الآونة الأخيرة في التسعينيات ، اكتسبت موطئ قدمها الأول في الستينيات ويمكن حتى تتبعها إلى حقبة ما قبل الحرب في التاريخ الياباني.
العديد من الوجوه والعديد من الأسماء نحتت في تاريخ J-pop - سوف يستكشف هذا المركز أصول J-pop والمحركات والهزازات الذين شكلوها في ما هو عليه اليوم ، مع تسليط الضوء على البدع والعصور التي لن تكون سهلة نسي .... كل ذلك مع احتضان الإيجاز. هيا بنا نذهب.
الأيام الأولى: موسيقى الجاز وريوكوكا (عشرينيات وخمسينيات القرن العشرين)
يمكن تتبع الموسيقى الشعبية اليابانية الحديثة منذ فترة Taisho (1912-1926) ، عندما أصبحت الآلات الغربية مثل الأوتار والهارمونيكا شائعة لاستخدامها في العروض الموسيقية. خلال هذا الوقت ، شهد موسيقى الجاز والبلوز الغربي أيضًا ارتفاعًا في الشعبية في جميع أنحاء اليابان ، وبدأ الملحنون الحديثون في دمج عناصر الجاز الغربي في أعمالهم. ومع ذلك ، تمت كتابة هذه الأغاني باستخدام مقياس الخماسي ، الذي اعتبر الطريقة "اليابانية" للغناء.
استمرت موسيقى الجاز في الصعود إلى الشعبية التي أدت إلى عصر حرب المحيط الهادئ ، حيث تم حظرها من قبل الحكومة لصالح "أغاني الحرب" الدعائية التي تضمنت المسيرات التقليدية. تم تجنيد العديد من الملحنين الرائدين في عصر ما قبل الحرب لكتابة هذه الأغاني أو وضع علامة عليها كمضاد للجنسيات.
مع نهاية الحرب جاء الجنود الغربيون ، ومع عودة الجنود الغربيين لموسيقى الجاز مرة أخرى. عادت الموسيقى الشعبية اليابانية إلى موسيقى الجاز والاندماج ، والمقاهي حيث يمكن للمرء أن يستمع إلى موسيقى الجاز "الأصيلة" ، التي يطلق عليها "موسيقى الجاز القصاصة" ، ظهرت في كل مكان. من أجل إبقاء الجنود الغربيين مستمتعين ، لجأ الموسيقيون اليابانيون إلى تغطية الأغاني الغربية الضاربة بينما يقومون ببث أساليبهم ببطء في الموسيقى اليابانية الخاصة بهم. Ryuukouka ، حرفيا "الموسيقى الشعبية" ، كانت على قدم وساق حتى "الانقسام" سيئة السمعة في أوائل الستينيات.
الأصول الحقيقية: Kayoukyoku (1960s)
على الرغم من استخدامها مرة واحدة بالتبادل مع ryuukouka ، إلا أن kayoukyoku (مضاءة "موسيقى الغناء الغنائي") تشير رسميًا إلى اندماج المؤلفات اليابانية مع العناصر الغربية ، وهو ما يعتبر الأصل الحقيقي لـ J-pop الحديث. خلال الستينيات من القرن الماضي ، حكم kayoukyoku جنبًا إلى جنب مع النمط الأكثر تقليدية من enka ، حيث احتضن الفنانون حركة "موسيقى الروك أند رول" (مقدمة لموسيقى الروك آند رول). الشيء الوحيد الذي أصبح شائعًا بشكل خاص هو ترجمة الأغاني الغربية إلى اليابانية وتغطيتها ، وإقراض kayoukyoku إلى طفرة "الملوثات العضوية الثابتة". ولكن مع مرور الوقت ، سيبدأ الموسيقيون في كتابة مجموعة الموسيقى الغربية المستوحاة من كلماتهم الأصلية.
أحضر الروك آند رول معه الغيتار الكهربائي ، ويمكن أيضًا رصد بيتليمانيا في جميع أنحاء اليابان. من خلال شعبية كل من النوع الفرعي الجديد من kayoukyoku المسمى "أصوات المجموعة" ، ظهرت على الرغم من أن فترة عمله كانت ضعيفة في أحسن الأحوال. حاولت أصوات المجموعة إعادة إنشاء فكرة فرقة الروك مع الموسيقيين اليابانيين ، ولكن الجدل كان كثيرًا عندما جادل الأعضاء حول ما إذا كان يمكن القيام بالروك أند رول باليابانية أم لا. كافحت العديد من الفرق الموسيقية للحصول على موطئ قدم أثناء مناظرة بين الغناء باللغة الإنجليزية أو اليابانية. في نهاية المطاف توفي Group Sounds لبضع سنوات عندما لم يتمكن أحد من التوصل إلى إجابة واضحة.
ولعل أكبر قصة نجاح في هذه الحقبة تعود إلى عضو Drifters السابق Kyu Sakamoto ، الذي أعيدت تسمية أغنيته " Ue wo Muite Arukou " لتصبح " Sukiyaki " وتم إصدارها في الولايات المتحدة. أصبحت الأغنية نجاحًا فوريًا ، حتى في اللغة اليابانية ، ووصلت إلى قمة مخطط لوحة الإعلانات. تظل الأغنية اليابانية الأولى والوحيدة التي وصلت إلى المرتبة الأولى على لوحة الإعلانات الأمريكية.
إلى جانب ساكاموتو في الشهرة والتميز كان الفول السوداني ، زوج من التوائم الإناث اللواتي تركن بصماتهن في فيلم الوحش الياباني الكلاسيكي موترا . شهد Drifters أيضًا عودة شعبية كبيرة وأصبحوا من أوائل المجموعات الشعبية التي اكتسبت عرضًا متنوعًا خاصًا بها. في هذه الأثناء ، على جانب إنكا من الأشياء ، حطم الفنانون مثل Keiko Fujii سجلات Oricon في نهاية الستينيات - ستصبح رمزًا دائمًا للخلاف المتصور بين kayoukyoku و enka ، خاصة منذ السبعينيات وعصر الأيدول كانوا يشرعون .
تطوير صوت: موسيقى جديدة وموسيقى البوب (1970s-1980s)
على الرغم من أن الموسيقى "الشعبية" شهدت شعبية تحت الأرض خلال الستينيات ، إلا أن معظم الأغاني كانت إما أغلفة من الأغاني الغربية أو كانت تحمل رسائل عالمية بسيطة. ابتداءً من أوائل السبعينيات ، تحولت الاتجاهات نحو إضفاء الطابع الشخصي على الموسيقى الشعبية وتعقيدها ، ولدت الحقبة المسيطرة للمغني وكاتب الأغاني. حقق المغني وكاتب الأغاني Yosui Inoue رقمًا قياسيًا غير مسبوق مع ألبومه " Kouri no Sekai " عندما بقي في قمة مخططات Oricon لمدة 35 أسبوعًا متتاليًا. خلال نفس الوقت ، بدأ التعرف على النساء كقوى موسيقية مع أمثال يومي ماتسوتويا (المعروفة باسمها قبل الزواج "أراي" خلال أوائل ومنتصف السبعينيات) وميوكي ناكاجيما. عُرفت هذه الحقبة للمغني ومؤلف الأغاني الشغوف باسم عصر "الموسيقى الجديدة".
تسللت موسيقى الروك ببطء إلى الاتجاه السائد خلال هذه الفترة ، على الرغم من أنها استعانت بمساعدة آلات التوليف الإلكترونية حتى يتم التعرف عليها حقًا. ظهرت الفرقة الموسيقية Yellow Magic Orchestra و Southern All Stars لأول مرة في أواخر السبعينيات: ركزت الأولى بشكل كبير على إلكترونيكا وأثبتت الأخيرة أن موسيقى الروك يمكن أن تغنى باللغة اليابانية. كلاهما تجاوزا الموسيقى الجديدة كاتجاه العصر ، وكلاهما يعتبران من رواد J-pop بشعبية كبيرة حتى يومنا هذا.
مهدت فرقة Yellow Magic Orchestra الطريق لظهور "City Pop" كتوجه شعبي خلال أوائل الثمانينيات. ركزت City Pop على موضوعات المعيشة الحضرية والكبيرة في المدينة مع العناصر الإلكترونية ودمج موسيقى الجاز في ظهرها. عكست معظم City Pop الطفرة الاقتصادية في الثمانينيات في اليابان بموضوعاتها المفرطة والتهور ، مما أدى إلى زوالها النهائي خلال "انفجار الفقاعة" في أواخر الثمانينيات.
وبالمثل ، مع وجود فرق مثل Southern All Stars تثبت أن موسيقى الروك أند رول يمكن أن تتم باليابانية ، ازدهر مشهد الروك الياباني خلال الثمانينيات. فرق مثل The Alfee و The Chequers و TM Network و Boøwy كانت كلها فرق ذكورية حطمت الأرقام القياسية وأخذت أسماء. نجحت النساء أيضًا في موسيقى الروك ، كما هو واضح من قبل جميع الفرق الموسيقية Princess Princess التي حصلت على المركزين الأول والثاني لأفضل الفردي في عام 1989.
أخذت موسيقى الروك اليابانية منعطفًا مثيرًا للاهتمام بشكل خاص بدءًا من أواخر الثمانينيات مع وصول "ki المرئي" ، وهو نوع فرعي سيئ السمعة من موسيقى الروك يركز على المظهر والمسرحيات الخاصة بأعضاء فرقتها بقدر ما صوتها موسيقى. عناصر مثل androgyny (بما في ذلك "الملابس النسائية" على الرجال والشعر الكبير والمكياج) جاءت لتعريف حركة "kei البصرية" بالكامل. أكبر اسم في "ki visual" هو أيضًا أحد مؤسسيها: حتى يومنا هذا ، لا تزال X Japan واحدة من أشهر فرق الروك في اليابان.
العصر الذهبي: صعود المعبود الإناث (1980s)
شهدت النساء زيادة في الشعبية بدءًا من السبعينيات مع أمثال موموي ياماغوتشي والثنائي الملون بينك ليدي . خلال هذا الوقت حدث تحول في kayoukyoku ، حيث أصبحت Yamaguchi واحدة من أوائل الفنانين الذين استخدموا نوعًا خاصًا من النطق كان مشابهًا للغة الإنجليزية في أغانيها. بينما لا يزال يعتبر فنان kayoukyoku ، فإن هذا الأسلوب سيصبح لاحقًا فصلًا محددًا بين kayoukyoku الكلاسيكي و J-pop الحديث.
كانت ياماغوتشي ومعاصروها من الإناث ، مثل جونكو ساكورادا والحلوى ، معروفين بصورتها المفيدة أثناء غناء الأغاني ذات النغمات الجنسية العرضية. تؤدي شعبيتها إلى مزيد من العلامات التجارية من قبل شركات التسجيل للأنثى المنفردة والجماعية لتتخذ سحر "فتاة مجاورة". بحلول الثمانينيات ، انفجر عصر "المعبود" ، أو المغنية (عادة) التي تعبر عن صورة نظيفة.
تمثل أصنام "العصر الذهبي" نهاية عصر kayoukyoku ، حيث تحول العديد من الملحنين الغنائيين على غرار kayoukyoku والشاعر الغنائي إلى إنتاج أصنام الإناث قبل التقاعد. شهد Kayoukyoku عثرة أخرى في الشعبية عندما كسر فنانون مثل Seiko Matsuda خطًا واحدًا غير مسبوق 24 # 1 على مخططات Oricon. تجرأت الفنانات الأخريات مثل آكينا ناكاموري على تحدي صورة "الفتاة المجاورة" عن طريق اتباع نهج جنسي مباشر وغناء أغاني عن حسرة وخيانة. تؤدي محاولتها الانتحارية في نهاية المطاف إلى انخفاض حاد في شعبيتها ، مع ذلك ، مما يدل على أن اليابان لم تكن مستعدة للواقع الجريء الذي عرضت عليه الأصنام الهروب.
ومع ذلك ، فإن عصر الأيدول ، إلى جانب معظم kayoukyoku ، شهد نهايته عندما تم كسر خط Seiko Matsuda رقم 1 من قبل العقل المدبر لـ TM Network Tetsuya Komuro " جاذبية الحب ". في التسعينيات ، استمر كومورو في تحديد "J-pop" حيث بدأ استدعاء kayoukyoku .
قوة اقتصادية: الوجود وتيتسويا كومورو (1990-1997)
كانت التسعينات نقطة تحول ضخمة في الموسيقى الشعبية اليابانية. لم يقتصر الأمر على استخدام مصطلح "J-pop" ، ولكن أصبح J-pop بشكل عام قوة اقتصادية عظمى حيث تحركت اليابان إلى المطالبة بشرف امتلاكها ثاني أكبر صناعة موسيقى في العالم (في المرتبة الثانية بعد الولايات المتحدة الأمريكية). تم تحقيق ذلك من خلال تقنيات التسويق الذكية ، وأبرزها "الربط" ، أو إقران الأغاني التي تم إصدارها حديثًا بالإعلانات التجارية والدراما والأفلام والرسوم المتحركة وألعاب الفيديو ووسائل الإعلام الأخرى. وصلت مبيعات الموسيقى إلى مستويات غير مسبوقة ، حيث تحطم الألبومات والأغانى أرقام مبيعات قياسية جديدة كل عام.
في أوائل التسعينيات ، سيطر "نظام النظام" على معظم مبيعات J-pop. أصبحت الفرق الموسيقية مثل B'z أفضل عمل موسيقي مبيعًا في التاريخ الياباني ، على الرغم من أن أعمالًا أخرى مثل Wands و ZARD و Maki Ohguro لعبت أيضًا أدوارًا كبيرة في مبيعات Being. ركزت جميع هذه المجموعات تقريبًا على عناصر الروك الأصعب أو الشعبية ، على الرغم من أن هذا سيتغير بسرعة مع تقدم العقد ودخلت موسيقى الرقص على الطراز الأوروبي إلى رواجها.
في طليعة حركة الرقص كان "المنتج الذي لا يقهر" تيتسويا كومورو. سيستمر الصوت الإلكتروني المميز لكومورو في تحقيق نجاحات هائلة خارج نطاق فرقته الشخصية (التي كانت ذات مرة تحمل الرقم القياسي لمعظم النسخ المباعة من ألبوم واحد) جنبًا إلى جنب مع القوى الفردية المنفردة Namie Amuro و Ami Suzuki و Tomomi Kahala و hitomi. بشكل عام خلال هذه الفترة الزمنية ، بلغ إجمالي مبيعات كومورو أكثر من 170 مليون نسخة ، مما يجعله المنتج الأكثر نجاحًا في التاريخ الياباني.
ضربت جنون الرقص الأخرى J-pop ، بما في ذلك "eurobeat" وغيبوبة. سيطرت المجموعات الموجهة نحو يوروبيت مثل MAX (الذين كانوا زملاء سابقين للنجم نامي أموورو) على الرسوم البيانية لبعض الوقت أيضًا ، في حين تم ضمان إعادة بيع أغاني يوروبيت وغيبوبة الأغاني الشعبية. يمكن القول أن حقبة ريمكس بدأت خلال التسعينات ، عندما تحولت الفرديات من تنسيق قرص مضغوط 8 سم إلى 12 سم ويمكن أن تحمل المزيد من المحتوى. بدأت الغيبوبة واليوروبا في التراجع في أوائل العقد الأول من القرن الماضي ، ولكن ليس قبل أن تنتقل مجموعات مثل الكرة الأرضية من موسيقى البوب التقليدية إلى صوت الغيبوبة.
عودة الأصنام: النساء مقابل جوني (أواخر التسعينيات وأوائل 00)
نجاح فنانات كومورو المنفردات مهد الطريق أمام "عودة" المعبود في أواخر التسعينات ، على الرغم من أنه لا تعتبر كل فنانة فردية ناجحة خلال هذه الفترة الزمنية "معبودًا". ربما كان أبرزها المغني وكاتب الأغاني هيكارو أوتادا (ابنة أسطورة إنكا كيكو فوجي) ، التي قادتها حساسيتها الأمريكية إلى الظهور بصوت RnB أثقل مما سمع في J-pop من قبل. ذهب ألبومها الأول " الحب الأول " لبيع أكثر من 7 ملايين نسخة في عام 1999 ، مما يجعله أفضل ألبوم مبيع لـ J-pop حتى يومنا هذا.
لم تكن أوتادا بدون "منافسيها". خلال نفس فترة حكمها الاقتصادي ، ظهرت المعبود أيومي هاماساكي لأول مرة بكلمات صادقة استحوذت على اهتمام الجمهور الياباني. تمتعت حماساكي بنجاح هائل بذروة بين 1999-2004 عندما باعت جميع ألبوماتها التسعة خلال هذه الفترة ملايين النسخ لكل منها ، وحتى ألبوماتها المتعددة ريمكس تصدرت المخططات. ستقوم حماسساكي في نهاية المطاف بتحطيم الرقم القياسي لسيكو ماتسودا لمعظم الفردي رقم 1 على التوالي (لا تزال مستمرة) وتصبح الفنانة الأكثر مبيعاً على الإطلاق في اليابان.
واحدة من أكبر الاتجاهات التي خرجت من عصر الأيدول الجديد كانت المجموعة النسائية متعددة الأعضاء ، بقيادة Tsunku (من Sharam Q ) التي أنتجت مجموعة المعبود الأكثر شعبية Morning Musume واستمرت في تأسيس Hello! المشروع ، الذي يتألف من مجموعات نسائية متعددة ، في بعض الأحيان مع تداخل الأعضاء. يتبع Morning Musume في مسار مشابه لنادي Onyanko الأصلي لعصر المعبود الأصلي ، مع أجيال متعددة من الأعضاء التي تطورت باستمرار ولكن يمكن القول أنها حققت نجاحًا أكبر. مرحبا! حقق المشروع نجاحًا كبيرًا طوال بدايات القرن العشرين ، لكنه شهد في النهاية انخفاضًا كبيرًا في الشعبية حيث شهد "تخرج" غالبية أعضائه.
لم تكن النساء الخبر الكبير الوحيد خلال هذه الحقبة. أثبتت فرقة جوني بوي أند أسوشيتس ، قوة فرقة الصبي ، نفسها على أنها "مصنع أيدول الذكور" في أواخر التسعينيات. على الرغم من كونه عاملاً في مشهد J-pop منذ أيام kayoukyoku ، إلا أنه لم يكن حتى أواخر الثمانينيات عندما قامت مجموعة Hikaru Genji بإلقاء نظرة على الوكالة. انقسم العديد من أعضاء النسخ الاحتياطي لتشكيل مجموعة SMAP الضخمة الذين كانوا جزءًا من قوة المبيعات طوال التسعينيات ، على الرغم من أن العديد من أعضائها أصبحوا مشهورين في حقوقهم الخاصة كمواهب وممثلين. توسع جوني في الألفية الجديدة مع مجموعات مثل Tackey & Tsubasa ، Arashi ، NEWS ، KAT-TUN ، Hey! قل! JUMP و Kanjani 8. شكلت كل مجموعة مستوياتها المختلفة من النجاح الهائل ، وهيمنت مجموعات جوني في المقام الأول على المبيعات في منتصف القرن العشرين. ولا تزال هذه المجموعات أيضًا واحدة من "البائعين الأكيد" القلائل في السوق الهبوطي اليوم.
تحضر J-pop: هيب هوب و Rnb (منتصف 00s)
كان الفنانون مثل Zeebra و DOUBLE يؤدون موسيقى الهيب هوب ذات النكهة اليابانية منذ التسعينيات ، ولكن لم يكن الصوت حتى القرن الحادي والعشرين هو النوع الفرعي الشرعي لـ J-pop. يبدو أن امتياز Utada لـ RnB في أمريكا في موسيقاها السابقة قد لعب دورًا كبيرًا في الترويج لـ RnB في اليابان ، على الرغم من أن العديد من الفنانين الآخرين عملوا على الحصول على ملاحظة أيضًا. حققت Duo Chemistry على وجه الخصوص نجاحًا في عام 2001 مع إصدار ألبومها The Way We Are الذي باع أكثر من مليون نسخة. في نفس الوقت الذي ظهر فيه EXILE لأول مرة واستمر في بيع ملايين النسخ من أغنياتهم الفردية وألبوماتهم مع إنشاء أنفسهم كوجوه من "J-Urban".
شهدت Namie Amuro عودة شعبيتها في حوالي عام 2005 مع إصدار ألبومها Queen of Hip-Hop الذي بدأ صوتها المميز الجديد للانصهار بين موسيقى J-pop العادية وموسيقى الهيب هوب. حاولت Amuro المزيد من صوت RnB في أواخر التسعينيات بعد الانفصال عن كومورو ، لكن شعبيتها عانت من ذلك. شهد عام 2005 عودة إلى شهرة Amuro حيث أعادت تأسيس نفسها كمؤدي هائل. وفي الوقت نفسه ، رأت الفنانة المركزة في RnB كومي كودا فجأة نفسها في ذروة الشعبية في نفس الوقت تقريبًا مع إصدار أول ألبوم لها " الأفضل ~ الأشياء الأولى ~ ". قبل أن تكافح كودا مع أغانيها على غرار RnB ، ولكن عندما نجح هذا في بيع مليون منتج ، أصبحت واحدة من أكثر الفنانين شعبية وإنتاجًا في ذلك الوقت. كانت إحدى أكبر ملاحظات كودا هي زيادة نشاطها الجنسي وانحرافها عن صورة المعبود "الصحي". أصبح أسلوبها المثير معروفًا باسم " ero-kakkoii " وميزت تغييرًا في توقعات الفنانات المنفردات في J-pop.
تكريم الماضي: الشعبية ، وشيبويا ، وسييو (أواخر القرن العشرين)
شهد أسلوبان "ميتان" سابقًا من السبعينيات والثمانينيات موجة جديدة مفاجئة من الشعبية في العقد الأول من القرن الحادي والعشرين ، بداية بدعة "شعبية" جديدة تذكرنا بأيام المجد في الستينيات والسبعينيات. على وجه الخصوص ، أصبح الثنائي الذكور مثل Yuzu و Kobukuro يحظى بشعبية كبيرة. كان أول ألبوم Kobukuro " All Singles Best " هو أول بائع بملايين الملايين من خلال عمل ذكر في الألفية الجديدة. وبالمثل ، أصبح كوبوكورو قانونًا لإنهاء خط ألبوم أيومي هاماساكي رقم 1 في عام 2008.
على الجانب الآخر من العملة الموسيقية ، كان شيبويا كي يعود في شكل منتج ناكاتا ياسوتاكا ، عضو كبسولة الثنائي الإلكترونية. بدأ الثنائي في الأصل على أنه J-pop تقليدي قبل أن يتطور إلى shibuya-kei قبل أن يجد أخيرًا شعبية في الإلكترونيات. قام ياسوتاكا بنفسه بإنتاج مجموعة المعبودات الأنثوية Perfume ، التي أصدرت أول ألبوم إلكتروني على رأس المخططات منذ الثمانينيات Yellow Magic Orchestra - ثم أصدروا أول أغنية إلكترونية تتصدر الرسوم البيانية " Love the World ". أصبحت ياسوتاكا أيضًا مشهورة بإعادة مزج الأغاني لكل من مجموعات جوني ومحاولة إحياء وظائف أمثال أمي سوزوكي.
اتجاه آخر حدث في أواخر القرن العشرين كان ارتفاع شعبية seiyuu ، أو الممثلين الصوتيين للرسوم المتحركة. في التسعينات ، استمتع seiyuu مثل Megumi Hayashibara بشعبية كبيرة في دوائر الأنيمي لكنه بالكاد كسر سوق J-pop. في أواخر القرن العشرين ، أصبح seiyuu قوة هائلة في السوق عندما تصدر ألبوم نانا ميزوكي " ULTIMATE DIAMOND " المخططات. seiyuu أخرى ، سواء أنشئت (مثل Maaya Sakamoto) والجديدة ، اتبعت خطى لها.
الأصنام الآسيوية: AKB48 وموجة Hallyu (أوائل العشرينيات)
في خضم مرحبا! نجاح المشروع في أوائل القرن العشرين ، قررت ياسوشي أكيموتو العودة إلى مجموعات الأيدول متعددة الأعضاء وأجرت اختبارات في عام 2005. ما نتج عن ذلك مجموعة AKB48 ، وهي مجموعة كبيرة جدًا من الإناث استندت إلى العروض المسرحية في منطقة أكيهابارا بطوكيو. كافح AKB48 بنجاح معتدل في السنوات القليلة الأولى قبل أن يصل أخيرًا إلى قمة المخططات بأغنيته الفردية " ساكورا نو شيوري " لعام 2010. في وقت لاحق من ذلك العام ، باعت أغنية " التناوب الثقيل " الخاصة بهم أكثر من 800.00 نسخة. بعد ذلك بشهرين ، باعت أغنية " Beginner " الفردية الخاصة بها أكثر من مليون نسخة ، وهو أمر نادر في السوق الحالية. منذ ذلك الحين ، باعت جميع أغانيها الفردية على التوالي أكثر من مليون نسخة ، وأحيانًا في اليوم الأول. أدى نجاح AKB48 إلى مجموعات منشقة جغرافية أخرى ، مثل SKE48 في ناغويا ، NMB48 في أوساكا ، وحتى JKT48 في جاكرتا ، إندونيسيا.
في وقت سابق من القرن الماضي ، ظهرت فنانة البوب الكورية BoA في اليابان بموسيقى J-pop الأصلية ، لتصبح واحدة من أكبر تذاكر الإناث في ذلك الوقت. على الرغم من تراجع شعبيتها في اليابان مع مرور السنين ، حاولت أعمال كورية أخرى اقتحام السوق اليابانية. ظهر أول خمسة أعضاء من وحدة Tohoshinki اليابانية لأول مرة في عام 2005. على الرغم من النجوم الضخمة في وطنهم من كوريا الجنوبية ، شهد Tohoshinki نجاحًا ضئيلًا في اليابان حتى إصدار أغنية " Purple Line " اليابانية السادسة عشرة في أوائل عام 2008 ، والتي تصدرت الرسوم البيانية. ستستمر Tohoshinki لتصبح أول مجموعة أجنبية من الذكور تتصدر المخططات وأول مجموعة كورية تؤدي في قبة طوكيو. حتى بعد انقسام أحد الأعضاء الذي قلص المجموعة إلى ثنائي ، يستمر Tohoshinki في تحقيق نجاح كبير.
بعد نجاح Tohoshinki ، عبرت مجموعات "K-pop" الأخرى ، من الذكور والإناث ، إلى السوق اليابانية وبدأت في إطلاق كل من الموسيقى الأصلية والأغلفة اليابانية لأغانيهم الكورية. واحدة من أولى المجموعات التي اخترقت كانت KARA ، وهي وحدة من جميع النساء صنعت موجات مع "رقصة بعقب" سيئة السمعة. وراءهم جاء شوجو جيداي / جيل الفتيات اللواتي عُرفن بالراقصات الأعلى تصنيفًا. حاولت مجموعات أخرى ، مثل 4minute و 2NE1 و BIGBANG و After School و Rainbow و Secret و Super Junior و SHINee وحظاها في اليابان بنجاحات متفاوتة: وجد البعض مبيعات أفضل في اليابان من قاعدتهم في كوريا الجنوبية ، والبعض الآخر كافح لجعل كروس كروس يستحق ذلك. بغض النظر ، كانت هذه الزيادة المفاجئة في اهتمام الكيبوب معروفة باسم "موجة هاليو" ، وتواصل مجموعات الكيبوب تدفق سوق جوبوب مع النقاد الذين يشيرون إلى النطق القاسي والأغاني الكورية المعاد تدويرها.
خلاصة
من الواضح أن تاريخ الموسيقى اليابانية الشعبية ظاهرة مستمرة مع اتجاهات الالتواء والروابط مع نظرائها الغربيين. على الرغم من أن "J-pop" لم يتم إصداره رسميًا حتى أوائل التسعينات ، إلا أن تاريخ أصوله بالكامل يعود إلى 1910s وعصر الجاز الأصلي في اليابان. مع وجود عقود من المواهب تحت تصرفها ، من المستحيل تقريبًا تلخيص تاريخ J-pop في بضع فقرات قصيرة.
